LA VILLA MÉDICIS.

El autor de la Villa Médicis es Diego Rodriguez de Silva y Velázquez, más conocido por su segundo apellido. El sevillano llevó a cabo una pareja de cuadros bajo el título de Vista del jardín de la Villa Médicis, en Roma, aunque nosotros nos centramos en el que también es conocido como “fachada de Grotto-Loggia” o “el atardecer”, donde la figura humana tiene menos importancia.

 

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez es considerado uno de los mayores exponentes del arte y en especial de la pintura, tanto barroca como mundial.

Nació en el año 1599 en Sevilla, ciudad que por entonces era uno de los dos centros fundamentales de España ya que poseía el monopolio del comercio con América, lo que propició la variedad de nacionalidades y de contrastes, sirviendo este ambiente de inspiración para muchos artistas. Su padre, era de origen portugués, y su madre era sevillana. De ésta última adoptó, tal y como era tradición en Portugal, el apellido por el que se le conoce.

Velázquez inició su formación artística a muy temprana edad. En 1609 pasó unos meses en el taller de Francisco Herrera el Viejo, pero su pésimo carácter provocó que el joven aprendiz ingresara en el taller de Francisco Pacheco, pintor y escritor que gozó de gran prestigio en su época y que prestó mucho interés al arte de la pintura, considerado todavía como oficio de bajo nivel. De esta manera pasó seis años aprendiendo y absorbiendo todos los conocimientos que Pacheco le proporcionaba, hasta que, en la primavera de 1617, Velázquez superó el examen requerido para la práctica del arte consiguiendo la licencia pero no sólo de carácter local, sino de carácter nacional. Así, podía abrir un taller y ejercer como maestro.

Al año siguiente, Velázquez se casó con la hija del que había sido su maestro, Juana, con la que tuvo dos hijas.

 

La trayectoria pictórica de Velázquez puede dividirse en varias y diferenciadas etapas. La primera es conocida como etapa de formación o de Sevilla, que se inició en 1617 y que duró hasta 1622. Ésta se caracteriza por una clara influencia del manierismo y del tenebrismo, con fuertes contrastes entre luces y sombras, colores terrosos, estilo sencillo, y realismo, con contornos bien dibujados. Destacan temas de la vida cotidiana y bodegones, con cuadros como Cristo en casa de Marta, o El aguador de Sevilla.

 

Esta etapa es sucedida por la etapa en la corte, de 1623 a 1629, siendo Pintor Real, lo que le facilitó el conocimiento de otros grandes artistas. En este período realizó retratos con un estilo sencillo, como el Retrato de Felipe IV.

Su encuentro con Rubens, que visitó Madrid en 1629, le sirvió de influencia y de impulso para viajar a Italia al año siguiente, además de que le acercó al humanismo y a la mitología. Así, en este mismo año terminó su cuadro Los Borrachos o El Triunfo de Baco.

 

De 1629 a 1631, realizó su primer viaje a Italia, donde conocerá obras de los pintores italianos que le sirvieron de inspiración. En Roma estuvo residiendo casi un año. De esta manera abandonó el tenebrismo, cultivó el desnudo masculino, evolucionó en los colores y apareció su preocupación por la perspectiva y la profundidad. Además conoció al pintor español Ribera.

De esta etapa destacan obras como La fragua de Vulcano.

 

Volvió a Madrid, donde estará de 1631 a 1649, comenzando de nuevo otra etapa como retratista, aunque también realizó pinturas históricas y religiosas. Su dibujo ahora es más suelto, las figuras menos rígidas y el espacio se llena de aire, presagiando la perspectiva aérea. Destacan El príncipe Baltasar, El Conde-Duque de Olivares, Las Lanzas o La Rendición de Breda, El Niño de Vallecas, Pablillo de Valladolid y Sebastián de Morra. Es el momento de auge del pintor, con una producción muy importante.

 

De 1649 a 1651 realizó su segundo viaje a Italia como artista-embajador, el cual le permitió perfeccionar la técnica, y plasmar la perspectiva aérea, usando en su pincelada suelta cada vez menos pasta pictórica. De esta etapa destaca El retrato a Inocencio X (Papa), y La Venus del Espejo.

 

Regresó a Madrid en 1651, comenzando así sus últimos nueve años de vida, en los que destacan dos obras importantes, Las Meninas, y Las Hilanderas.

Murió el 6 de agosto de 1660 tras caer enfermo y fue enterrado según las palabras del biógrafo y pintor del siglo XVII Palomino, “con la mayor pompa y enormes gastos, pero no demasiado enormes para tan gran hombre”.

 

 

En cuanto al contexto histórico de la obra, ésta pertenece al siglo XVII, que fue una época de oscuridad para España en muchos sentidos y que contrasta totalmente con la hegemonía que los Austrias Mayores, Carlos I y Felipe II, habían conseguido para nuestro país en el siglo anterior. Así, con la llegada de los Austrias Menores (Felipe III, Felipe IV y Carlos II), quienes no consiguieron mantenerse a la altura de sus predecesores, el declive de España fue consolidándose progresivamente hasta convertirse en un hecho. Pero en toda esta situación de desaliento y frustración, el panorama artístico español se desarrolló, lo que provocó un claro contraste entre la decadencia material y el esplendor artístico y cultural, llegando a ser conocido el siglo XVII como “El Siglo de Oro Español”. El arte y la literatura sirvieron de esta manera como instrumentos de evasión y de expresión de sentimientos. La pintura, de todos los ámbitos artísticos, fue la que presenció un mayor apogeo, pues nunca antes habían convivido en España tantos y tan buenos pintores al mismo tiempo, apareciendo maestros que se adelantaron incluso a épocas posteriores, tales como José de Ribera, Murillo, Zurbarán, y sobre todo, Velázquez.

 

 

La Villa Médicis es una pintura de la que se desconoce la fecha con exactitud, y hay dos opiniones encontradas al respecto, pues algunos sostienen que este cuadro fue realizado en 1630, durante su primer viaje a Italia, mientras que otros sostienen que se llevó a cabo durante el segundo viaje a este país, hacia 1650. Los defensores de la primera hipótesis basan sus argumentos en un documento mencionado por Palomino, en el que se revela que Velázquez obtuvo el permiso para vivir en la Villa Médicis mediante una respuesta que el secretario de estado Cioli realizó: “… el señor conde de Monterrey quería que yo hiciese alojar, en el jardín de la Tinità dei Monti, a un pintor del rey venido aquí, que en los retratos del natural- según me dice- es muy exquisito, a fin de que pueda pasar todo el verano”. También se basan en que el cuadro fue pintado sobre una preparación marrón, similar a la que Velázquez usó en su primer viaje a Italia. Los defensores de la segunda hipótesis se basan esencialmente en el estilo tan avanzado que presenta esta pintura.

 

Es una pintura al óleo sobre lienzo, de 48.5 por 43 cm y que actualmente se encuentra en el Museo del Prado en Madrid.

Uno de los factores que hace que esta obra se diferencie de las prácticas habituales de aquella época, que se centraban sobre todo en motivos religiosos o retratos, es la falta de un tema, pues simplemente aparece en la imagen un paisaje, que además no va acompañado de ninguna historia. Así, Velázquez pinta la naturaleza sin ninguna excusa narrativa que la justifique, algo singular para el siglo XVII, donde el paisaje en sí mismo no se consideraba un tema digno de ser representado.

En el cuadro aparece la vista de un jardín de la Villa Médicis en Roma, concretamente la fachada de Grotto-Loggia, al atardecer. Esta Villa es uno de los palacios más importantes de Roma, que fue fundada por Fernando I de Médicis hacia 1576 con el fin de reafirmar su presencia permanente en Roma y que actualmente alberga la Academia Francesa de Roma desde 1803. Fue la residencia de Velázquez en el primero de sus viajes a Italia.

Velázquez utiliza una serliana o estructura arquitectónica que resulta de la combinación de un vano culminado con un arco de medio punto en el centro, flanqueado por otros dos vanos adintelados, pero en este caso cerrados y que se encuentran casi en ruinas, tapados por unos andamios. En la balaustrada, hay una muchacha que parece extender una sábana al sol, mientras dos hombres abajo contemplan la arquitectura y conversan. A su lado, hay un busto clásico, y en la pared una hornacina con una escultura.

 

Velázquez no buscaba una composición, por ello ésta se basa simplemente en la horizontalidad del muro, y la verticalidad de los árboles, las columnas, las pilastras y las figuras humanas. Tampoco en esta pintura tiene demasiada importancia la perspectiva.

 

A pesar de todo ello, lo más destacable de este cuadro es la técnica que empleó Velázquez. El sevillano quería transmitir la naturaleza de manera directa, y para ello llevó todos sus utensilios de pintura al lugar que quería plasmar en el cuadro, en este caso al jardín de la Villa. Realizó lo que se conoce como pintura al aire libre, que era una práctica muy poco habitual en su época, y menos en la España barroca. Esto lo habían llevado a cabo los holandeses establecidos en Roma para tomar anotaciones y apuntes rápidos, lo que ha llevado a pensar que esta pintura de Velázquez era tan sólo un simple boceto de una obra posterior.

La pincelada que emplea Velázquez se conoce como pincelada corta o suelta, que se yuxtapone y que es muy ligera, diluida, pues apenas esboza las formas de las figuras e incluso deja que se vea la trama de la tela. Abandona el detalle para emplear una técnica mediante la cual pinta con manchas, dando pequeños toques con el pincel y adelantándose totalmente al impresionismo que siglos después llevó a cabo Monet. De esta manera busca mostrar la experiencia de un momento concreto y no la intemporalidad de una parte del jardín, por ello muchos han insistido en que Velázquez lo que realmente pretendía era plasmar una atmósfera determinada, tal y como el impresionista Monet realizó dos siglos más tarde con la Catedral de Rouen.

En cuanto a los colores, la evolución cromática de Velázquez fue aclarándose progresivamente, por ello, en esta obra los tonos que se observan son suaves, con predominio de los ocres y los colores terrosos (que son colores cálidos), gris azulado para el cielo, y diferentes tonalidades de verde para los árboles y los setos que rodean el muro. Los dos últimos son fríos. En este cuadro no aparece ningún color primario en su totalidad, el único que podría enmarcarse en esta categoría sería el azul. La gama cromática en esta obra es de especial relevancia, y va unida con el tratamiento de la luz que este autor realiza. Velázquez busca la creación y plasmación de una atmósfera dentro de la pintura, por ello hay una interrelación entre la luz y la naturaleza. El cuadro muestra, de este modo, un ambiente propio de un atardecer, que se consigue gracias a la pincelada suelta, dando lugar a casi manchas de luz y color, tal y como se observa en los cipreses. Así, la luz proviene de la parte derecha del cuadro tal y como se aprecia en el juego de luces y sombras de las copas de los cipreses, más oscuros en la izquierda, y en las sombras que la estatua de la hornacina y las columnas proyectan sobre la pared.

 

En cuanto a calidades y texturas, es de nuevo la pincelada corta que Velázquez empleó en este cuadro la que nos permite distinguir los volúmenes de los objetos y los tejidos y materiales que los conforman. Se puede apreciar la esponjosidad de los árboles, la tela de la sábana o mantel, la madera de los andamios, o la piedra del muro, las columnas y el arco.

 

Como conclusión, nos encontramos ante un cuadro que anticipa algunas fórmulas pictóricas posteriores, pues Velázquez demuestra tanto en esta obra como en casi todas las de su producción que además de tener un dominio pleno de la técnica, fue capaz de innovar, adelantarse y de romper totalmente con los esquemas de su época, sin tener relación con ningún autor ni estilo existente por entonces. De este modo sintetizó los estilos del siglo XVI  y XVII, el renacimiento romano y la escuela veneciana, el tenebrismo, el barroco flamenco y el naturalismo hispano, por lo que pintores neoclásicos como Ingres, románticos como Delacroix, impresionistas como Manet y Degas, surrealistas como Dalí, y hasta el mismísimo Goya son sus deudores, pues todos se vieron influidos por él.