EL GUERNICA, PICASSO

Pablo Ruiz y Picasso fue un artista y pintor que revolucionó, no sólo la pintura, el dibujo, la escultura y la cerámica, sino la forma en que el público apreciaría el arte.

Picasso nació en la ciudad de Málaga en 1881 y murió en Francia en 1973.Su padre José Ruiz Blasco fue a su vez artista, profesor de arte y primer maestro de Picasso. La tutela de su padre fue definitiva para su aprendizaje y en sus primeros dibujos infantiles hechos a lápiz, Picasso muestra su maravillosa capacidad infantil poco común para un niño de su edad. A los 10 años su familia se traslada a La Coruña, allí continúa con sus estudios de arte y tanto su padre, como su madre María Picasso, le brindan todo su apoyo, confianza y estímulo.

Picasso es uno de los mejores representantes del cubismo, a nivel nacional e internacional. Los cubistas buscaban descomponer las formas naturales y presentarlas mediante figuras geométricas que fragmentaban las superficies y las líneas. Esta perspectiva múltiple permitió, por ejemplo, reflejar un rostro tanto de frente como de perfil, ambos a la vez.

Otra característica del cubismo es la utilización de colores apagados como el verde y el gris, sobre todo en la primera época del movimiento. Con el tiempo, los cubistas comenzaron a incorporar colores más vivos. Planteó una nueva forma de arte; donde forma, perspectiva, movimiento y espacio eran protagonistas pero eran comprendidas de una forma estética muy diferente a la hasta entonces conocida. Se trataba de un arte mental, es decir que se desliga de la interpretación o la semejanza a la naturaleza.
Existen dos fases bien diferenciadas:

* Cubismo Analítico: se lo conoce también como cubismo puro y es el más complejo de comprender. Se basa en la descomposición de formas y figuras geométricas para analizarlas y reordenarlas de una forma diferente y descompuesta.

* Cubismo Sintético: le siguió a la corriente anterior y se basó en la recomposición de los objetos, es decir ya no en el análisis detallado de sus formas, sino en captar la esencia de su fisonomía. Estos artistas resaltaban a través de colores y formas predominantes las partes más significativas de la figura.

Picasso es considerado el artista más importante del siglo XX y uno de los más influyentes en el desarrollo del arte moderno.

Tuvo varios períodos que marcaron su carrera artística, entre ellos están:

El Período azul, durante el cual realizó obras en las que utilizaba los tonos azules, casi todas ellas denotan mucha tristeza, en ellas muestra figuras alargadas de mendigos
y personajes de la calle. El Período rosa, más alegre y con escenas de payasos y circos de colorido más brillante. El Período cubista, con el que busca una pintura pura y comienza a observar los objetos de su taller, de modo intelectual y a pintarlos buscando en ellos las figuras geométricas básicas. Se le considera creador de este movimiento cubista junto con Georges Braque y Juan Gris. En el período surrealista usa las formas distorsionadas, representa lo monstruoso y mitológico. Por último es en el período expresionista cuando pintó uno de sus cuadros más famosos, Guernica  en el que muestra su repudio por la guerra y el terror infligido a la población civil durante el bombardeo aéreo de Alemania contra la población de Guernica.

Durante el período de entreguerras Picasso sigue utilizando el cubismo.

El Guernica pertenece a la época madura de Picasso y es una de las obras más importantes de todo el arte del siglo XX. Fue pintado en los meses de mayo y junio de 1937, su título alude al bombardeo de Guernica, ciudad mayoritariamente rural y poblada en esos momentos por mujeres, niños y ancianos, ya que los hombres se encontraban en el frente, ocurrido el 26 de abril de dicho año durante la Guerra Civil Española. Fue realizado por encargo del Gobierno de la República Española para ser expuesto en el pabellón español durante la Exposición Internacional de 1937 en París, con el fin de atraer la atención del público hacia la causa republicana en plena Guerra Civil Española.

Como en la década de 1940 se había instaurado en España el régimen dictatorial del  general Franco, Picasso optó por dejar que el cuadro fuese custodiado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York, aunque expresó su voluntad de que fuera devuelto a España cuando volviese al país la democracia. En 1981 la obra llegó finalmente a España. Se expuso al público primero en el Casón del Buen Retiro, y luego, desde 1992, en el Museo Reina Sofía de Madrid, donde se encuentra actualmente.

Picasso se sirvió de diferentes bocetos para realizar el Guernica final. En los diferentes bocetos del Guernica, se aprecia siempre el uso del cubismo.

El Guernica es un óleo sobre lienzo, con unas dimensiones de 3,50 x 7,80 m. A pesar de su título, y de las circunstancias en que fue realizado, no hay en él ninguna referencia concreta al bombardeo de Guernica ni a la Guerra Civil Española. No es, por lo tanto, un cuadro narrativo, sino simbólico.

La composición del cuadro es semejante a la de un tríptico, cuya parte central está ocupada por el caballo agonizante y la mujer portadora de la lámpara. Los laterales serían, a la derecha, la casa en llamas con la mujer gritando, y, a la izquierda, el toro, la mujer con su hijo muerto y una paloma. El del tríptico no es la única forma de ordenación espacial en el Guernica, también las figuras están organizadas en triángulos, de los cuales el más importante es el central, que tiene como base el cuerpo del guerrero muerto, y como vértice la lámpara. Todas las figuras están pintadas por medio de formas geométricas.

Como he mencionado anteriormente, se trata de un cuadro cargado de simbolismo en el que aparecen representados nueve símbolos: seis seres humanos y tres animales.                          Atendiendo al simbolismo de las diferentes figuras:

- El toro. Aparece a la izquierda con el cuerpo oscuro y la cabeza blanca. Parece aturdido ante lo que ocurre a su alrededor. Picasso indicó que simbolizaba "brutalidad y oscuridad". Se ha indicado también que la figura del toro, como en otros cuadros anteriores de Picasso (Minotauromaquia de 1935), puede ser, en cierto modo, un autorretrato del propio artista.

- Madre con hijo muerto. Se sitúa bajo el toro, como protegida por él, con la cara vuelta hacia el cielo en un ademán o grito de dolor. Su lengua es afilada y sus ojos tienen forma de lágrimas. Sostiene en sus brazos a su hijo ya muerto. Los ojos del niño carecen de pupilas, ya que está muerto. El modelo iconográfico de esta figura es, según los críticos, la "Pietà", es decir, la representación de la Virgen María sosteniendo en sus brazos a su hijo muerto. Una de las interpretaciones que se le han atribuido es que el grupo madre-hijo simbolizaría a la ciudad de Madrid, sitiada por las tropas de Franco.

-Paloma. Situada éntrelas cabezas  del toro y el caballo no resulta visible a simple vista, pues, excepto por una franja de color blanco, es del mismo color que el fondo y únicamente está trazada su silueta. Tiene un ala caída y la cabeza vuelta hacia arriba, con el pico abierto. Generalmente se ha considerado un símbolo de la paz rota.

- Guerrero muerto. En realidad, sólo aparecen los restos de la cabeza, brazo completo o antebrazo derecho y antebrazo izquierdo. Un brazo tiene la mano extendida mientras que el otro sostiene una espada rota y una flor, que puede interpretarse como un rayo de esperanza dentro de ese panorama descorazonador.

- La bombilla. Está ubicada en el centro del cuadro y es uno de los símbolos que más intriga despierta. Se puede relacionar el símbolo bombilla con bomba. Se ha dicho que simboliza el avance científico y electrónico que se convierte en una forma de avance social y de destrucción masiva en las guerras al mismo tiempo. El bombardeo de Guernica pudo ser una prueba de esta tecnología.

-El caballo. Ocupa el centro de la composición. Su cuerpo está hacia la derecha, pero su cabeza, igual que la del toro, se vuelve hacia la izquierda. Adelanta una de las patas delanteras para mantenerse en equilibrio, pues parece a punto de caerse. En su costado se abre una herida vertical y está, además, atravesado por una lanza. Tiene la cabeza levantada y la boca abierta, de donde sobresale la lengua, terminada en punta. Su cabeza y su cuello son grises, el pecho y una de sus patas, de color blanco, y el resto de su cuerpo está recubierto por pequeños trazos. Representa el deseo de paz y libertad.

-Mujer arrodillada. Su pierna está visiblemente dislocada o cortada, por lo que la arrastra. Con la mano izquierda trata de parar la hemorragia, que se puede deducir en un sombreado oscuro que parece justo en la articulación dislocada.

-Mujer del quinqué. Ilumina la estancia con una vela y avanza con la mirada perdida. Esta mujer se interpreta como una alegoría fantasmagórica de la República. Tiene su otra mano aprisionándose el pecho justo entre sus dos senos, que salen a relucir a través de la ventana.

-Hombre implorando situado frente a una casa en llamas. Mira al cielo como rogando a los aviones que dejen de bombardear, está inspirado en el cuadro de Goya: "Los fusilamientos del tres de mayo". Es la forma artística de decir "basta de guerras".

Las diferentes figuras del cuadro presentan grandes bocas abiertas, ojos desorbitados y cuerpos deformados.

En cuanto al color, el cuadro está pintado en blanco y negro con una gama variada de grises y algunos toques azulados que apenas se aprecian. Estos colores crean  contrastes y de esta manera aumenta la gravedad de las escenas y los sentimientos expresados.                                                                                                                  Es posible que esta elección de color se deba a que Picasso se percató del bombardeo por parte de la aviación alemana a la ciudad vasca de Guernica (1937) a través de los periódicos. Otra explicación es que el pintor malagueño quisiera transmitir su pena, angustia e indignación representando este ataque como una obra teatral.

Al autor no le preocupan ni luz, ni perspectiva, ni profundidad no es importante técnica sino simbolismo.

Aunque El Guernica parezca un lienzo desordenado Picasso estudió mucho la posición y la forma de los diferentes componentes. Su interpretación es objeto de polémica, pero su valor artístico está fuera de discusión. No sólo es considerado una de las obras más importantes del arte del siglo XX, sino que se ha convertido en un auténtico "icono del siglo XX", símbolo de los terribles sufrimientos que la guerra infringe a los seres humanos. El artista responde a la destrucción con una obra maestra y refleja como la ciencia puede traicionar y matar la cultura.

TARDE DE DOMINGO EN LA ISLA DE LA GRANDE JATTE.

Este cuadro se centra en la isla de la Grande Jatte, un parque situado a las afueras de París donde los parisinos solían pasar sus días de campo, se sitúa en el río Sena entre la Défense y el suburbio de Neully. Este cuadro fue expuesto por primera vez en la octava exposición colectiva del grupo impresionista en 1886, es un óleo sobre lienzo y sus medidas son de 2 x 3 m.

Su autor es Georges Pierre Seurat nació en 1859 en Paris, a los dieciséis años ingreso en la Escuela Municipal de dibujo y poco tiempo después en la Escuela de Bellas Artes de Paris de la que se fue para estudiar independientemente las obras de los maestros en el Louvre. Después de haber realizado servicio militar empezó a trabajar con el dibujo. Todos sus cuadros los realizaba en el estudio y no al aire libre. Seurat construía la realidad haciendo una especie de mapa mental por lo que sus cuadros no representan una realidad concreta sino un esquema sintético propio y original. En vida no cosechó triunfos ya que se le consideraba un mal pintor y la polémica referente a su estilo continuo hasta su temprana muerte a los 32 años en 1891, solo años después sus cuadros alcanzaron la fama y se reconocieron como grandes obras de arte.

Seurat tardó dos años en acabar este cuadro y antes de terminarlo por competo realizó 38 bocetos y 23 dibujos para que el resultado le agradara.

La técnica que usaba y que nunca le fue reconocida es el puntillismo, esta técnica esta basada en el estudio de la teoría óptica del color, contrastando puntos minúsculos de color puro se forman figuras coherentes en el ojo del espectador cuando este observa el cuadro a cierta distancia.

Los cuerpos de las figuras representadas son formas geométricas curvas, estructuradas según cilindros y conos.

En esta obra se muestra gente parisina de clase media disfrutando de una tarde de domingo al lado del Río Sena, caminando o haciendo picnic. Se representan casi 40 figuras la mayoría de perfil o de frente. Las mujeres que se encuentran en la orilla del río son unas prostitutas que usan la pesca como una tapadera de su verdadera actividad. En el margen inferior izquierdo vemos un barquero tumbado al lado de una dama de clase media y un hombre con un sombrero de copa. La mujer que esta de pie en el lado derecho del cuadro se identifica por su mono mascota como una prostituta, el mono representa libertinaje. Por último, en el centro encontramos una señora con sombrilla, lo que era típico en aquella época de la clase alta.

La pareja de la derecha aparece desproporcionadamente grande porque la obra esta hecha para ser observada desde la derecha y no desde el frente.

Respecto a la composición la obra esta estructurada sobre elementos horizontales y verticales y todos ellos formando ángulos rectos.

Seurat capta el momento, no hay movimiento en la obra sino un perfecto y absoluto estatismo como se puede ver en el río que esta excesivamente quieto.

Respecto al color en las zonas donde da el sol el color dominante esta representado mediante puntos de naranja y amarillo mientras que en las zonas de sombra se combinan los azules. La yerba esta pintada de manera monocroma al igual que las sobras que aparecen sobre ella y que son producto del empleo de la luz.

Además, Seurat pintó alrededor de todo el cuadro un “marco” natural formado por una trama de puntos de color azules y rojos en distintas tonalidades.

La luz es una luz natural que proviene del sol y que provoca las sombras alargadas sobre la yerba. Los puntos rojos y púrpuras crean la ilusión de la luz que ha sido, en parte, absorbida y que el ojo humano es capaz de distinguir.

Este cuadro se exhibe aun en el Instituto de Arte de Chicago. Es un cuadro importante ya que su autor, Seurat comenzó a utilizar la técnica que luego él mismo haría popular, la del puntillismo.

   Julia Daudén Zaera 

“EL GRITO” de Edvard Munch

Nos encontramos ante “El grito” (89 x 73,5 cm.), obra realizada al óleo, temple y pastel sobre cartón por el pintor Edvard Munch en 1893. Pertenece al movimiento artístico denominado Expresionismo y actualmente se encuentra en la Galería Nacional de Oslo (Noruega).

El expresionismo fue un movimiento artístico perteneciente a las vanguardias históricas (movimientos artísticos de carácter innovador), que se desarrolló durante las dos primeras décadas del s.XX y cuyo epicentro se dio en Alemania. Se caracteriza porque los artistas transmitían su angustia y pesimismo en sus obras a través del color y las formas, que se alejaban de la realidad para expresar lo mas interno, los sentimientos y las emociones del autor. Es un reflejo de l pesimismo generado por las circunstancias históricas del momento (guerra, revolución industrial). El expresionismo tiene como precedentes a Van Gogh, Gauguin y a Goya con sus pinturas negras. Y en cuanto a sus propulsores, encontramos al belga Ensor y el noruego Edvard Munch.

Edvard Munch (1863-1944) fue un pintor y grabador perteneciente a la corriente expresionista, de la cual es su máximo representante.
Nació en Noruega y durante su  infancia vio morir a su madre y a su hermana de tuberculosis, estas muertes y las obsesiones religiosas de su padre marcarán su vida, que será triste, solitaria y melancólica.
Durante su infancia en Cristiania (actual Oslo) empieza a estudiar arte al tiempo que se relaciona con los grupos bohemios radicales. El movimiento bohemio noruego criticaba la estrechez de principios morales y éticos de la burguesía y las injusticias sociales y desigualdades económicas que acompañaron a la revolución industrial.

A finales del siglo XIX, con el triunfo de la revolución industrial y la sociedad mecanizada, se impone un nuevo tipo de sociedad que Munch y los bohemios rechazaban. No querían una sociedad subordinada a la economía, y usaban su arte para luchar contra ella.

Con 22 años viajó a Paris, allí conoció los movimientos pictóricos más avanzados como el Impresionismo, y a artistas como Toulouse-Lautrec y Van Gogh, pero por el que se siente realmente atraído es por Gauguin.

Tras este viaje realiza sus primeras obras, las cuales una vez expuestas suscitaron escándalos y rechazo. En el año 1892 expuso en Berlín y sus obras impactaron tanto a las autoridades que cancelaron la muestra.
Munch decide dar rienda suelta a la expresión de sus sentimientos en sus pinturas mediante un estilo propio que dará lugar al expresionismo. Utiliza colores fuertes y puros, y distorsiona y retuerce las formas para lograr transmitir el ritmo de los sentimientos y emociones que quiere representar. "No podemos pintar eternamente mujeres que cosen y hombres que leen: yo quiero representar seres que respiran, sienten, sufren y aman." Por lo que los temas que más utilizó fueron los relacionados con los sentimientos y las tragedias humanas, como la soledad, la angustia, la muerte y el erotismo. Además realizó numerosas xilografías, aguafuertes y litografías.

Estuvo viviendo en Alemania varios años, sobre todo en Berlín, aunque hizo frecuentes viajes a Noruega y París donde realizó numerosas exposiciones.

A pesar de su fama, Munch sufría continuas crisis nerviosas que le obligaban a pasar algún tiempo en un sanatorio, también tenia problemas con el alcohol y una enfermedad en los ojos que le dificultaba su labor como pintor.

Realizó numerosas exposiciones y en sus últimos años llevó una vida solitaria hasta su muerte en 1944.

Análisis de la obra:

El Grito fue pintado en 1893 en París, una de las cunas del pensamiento contemporáneo, y uno de los lugares donde hubo más reacciones sociales como consecuencia de la Revolución Industrial.

Se trata de una pintura realizada al óleo, temple y pastel sobre cartón.
Se encuentra dentro de la obra capital de Munch titulada “el friso de la vida”.

En el cuadro encontramos, en un primer plano, a una figura con un rostro casi cadavérico sobre una pasarela que mira al espectador mientras se lleva las manos a la cabeza tapándose los oídos horrorizado mientras emite un angustioso grito. Su rostro transmite miedo, soledad, angustia, desesperación…

En un segundo plano, a la izquierda del cuadro, vemos dos siluetas anónimas que se alejan, ajenos e indiferentes al grito de desesperación que se ha desencadenado a su alrededor.

Y al fondo hay un paisaje que corresponde con el fiordo de la ciudad de Oslo, a la derecha se perciben algunas casas y en el centro dos pequeñas embarcaciones. Este paisaje de formas curvas y retorcidas se ve contagiado por el grito visceral del protagonista. El grito de la naturaleza y el hombre se funden en uno solo.

El propio Munch describe la escena así: “Paseaba por un sendero con dos amigos. El sol se puso. De repente, el cielo se tornó rojo sangre y percibí un estremecimiento de tristeza. Un dolor desgarrador en el pecho. Me detuve; me apoyé en la barandilla, preso de una fatiga mortal. Sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y la ciudad. Mis amigos siguieron andando y yo me quedé allí, temblando de miedo. Y sentí el grito interminable de la naturaleza.”

En cuanto al tema, de carácter subjetivo y emocional, se trata de la desesperación de una persona que ya no puede aguantar más, que necesita gritar. Esta persona representa a la sociedad de finales del siglo XIX y el grito simboliza la incomprensión y desesperación hacia la nueva forma de organización socioeconómica que se estaba estableciendo, la soledad que provoca la alienación de la sociedad industrial, la angustia del hombre contemporáneo…

Tiene una composición en diagonal marcada por la barandilla del puente, la cual divide el cuadro en dos, a la izquierda el protagonista de la obra y su desesperación; a la derecha, el mundo, la incomprensión y el vacío que le atormenta, todo expresado a través de pinceladas de potente color, alargadas y nerviosas. Hay un fuerte contraste entre las líneas rectas de la izquierda y las ondulaciones constantes de la derecha.

Consigue crear profundidad y perspectiva con la diferencia de tamaño del personaje principal y los otros dos, y con la diagonal de la barandilla que se proyecta hasta el infinito.

El empleo de los colores, violentos y completamente arbitrarios, mediante agresivas bandas de color, es puramente simbólico y trata de transmitir al espectador el agitado estado de ánimo del autor y no una verdad racional.

Crea una contraposición entre las gamas cálidas (naranjas) y frías (azules).

La luz es antinaturalista, no proviene de un foco determinado y no utiliza el claroscuro.

Cabe destacar que Edvard Munch realizó 4 obras con este mismo nombre y con características muy similares, una de ellas se trata de una litografía.

Este cuadro influyo en el expresionismo alemán, y especialmente en la corriente conocida como ‘El puente’, cuyos componentes criticaban las sociedades regidas por el trabajo industrial y por el sistema socio-económico de la época.

IMPRESION SOL NACIENTE

El cuadro que lleva el nombre de Impresión, Sol Naciente, es una de las obras más conocidas de Claude Monet. Este pintor francés es considerado el impresionista por excelencia debido a que toda su obra está centrada en buscar la representación de instantes, de momentos fugaces e irrepetibles, de la plasmación de la existencia, la atmósfera, el aire y la luz. Para él, todo lo que contemplamos no es inmutable, sino que varía dependiendo del momento, del lugar, por ello piensa que para poder conocer realmente un escenario, se debe representar todas las veces posibles. Esto es una de las características del movimiento conocido como Impresionismo, la búsqueda de la instantaneidad.

Así, Claude Monet, nacido en 1840 en París, se crió en Le Havre donde asistió a clases de dibujo y pintó marinas, ganando además algo de dinero realizando caricaturas. Con 15 años ya tenía cierta reputación como caricaturista. No quiso formarse en ninguna escuela oficial, y muy pronto se vio influido por Manet y por la pintura al aire libre. Tras conocer la obra de Turner en su viaje a Londres, empezó a interesarse por la plasmación de los efectos de niebla y de vapor, influyendo la fotografía claramente en sus obras. A partir de ese momento no dejó de buscar la captación de instantes muy precisos, tal y como se ve en los diez cuadros que realizó de La Estación de San Lázaro, o la serie de La Catedral de Rouen, queriendo plasmar los distintos efectos de luces y sombras y de  atmósferas. Finalmente recurrió a la acuarela porque ésta le proporcionaba mayor transparencia, como se ve en las vistas al Parlamento de Londres que realizó en sus últimos años.

 Es considerado el precursor del Impresionismo, tal y como se ve en la mayoría de sus obras, aunque hasta mitad de las década de 1960 su estilo era más realista. Algunas de sus obras más conocidas, aparte de las nombradas anteriormente, además de otras como Campo de amapolas en Argenteuil (1873), Boulevar des Capucines o Los Nenúfares (1920).Conoció a Renoir y a Sisley.

 El cuadro a comentar, bajo el título Impresión, Sol Naciente, fue el que dio el nombre al movimiento desarrollado en el último tercio del siglo XIX en Francia. Esta pintura fue expuesta en el estudio del fotógrafo Nadar, en 1874, junto con las obras de otros pintores que estaban ya cansados de ser excluidos de los salones oficiales por su diferente estilo pictórico.

Monet llevó a cabo este cuadro en 1872 y en él aparecen representado un paisaje con tres botes de remos en el puerto de Le Havre al amanecer, mientras en el fondo, entre la niebla y el humo de las fábricas, está saliendo el sol.

Es un óleo sobre lienzo de 48cm  63cm que actualmente se encuentra en el Museo Marmottan-Monet, en París. En la imagen se pueden observar todas las características propias del Impresionismo.

 

Para empezar, es una pintura al aire libre, o como se denominaba en Francia, “plein air”, con una intención que iba más allá de una mera reproducción, pues tal y como explicó Monet, trataba de recoger una “impresión”, de congelar un momento concreto para siempre: “El paisaje no es otra cosa que una impresión, una impresión instantánea, de ahí el título, una impresión que me dio. He reproducido una impresión en le Havre, desde mi ventana, sol en la niebla y unas pocas siluetas de botes destacándose en el fondo…”.

Esto se puede relacionar con la influencia que la fotografía tuvo sobre todos estos autores.

 

La técnica utilizada es la pincelada suelta propia del Impresionismo, las figuras aparecen desdibujadas, quedando los botes y las personas que navegan en ellas reducidas a manchas, al igual que las fábricas. No hay ningún contorno dibujado, la humedad del ambiente ha invadido todo el cuadro desdibujando las líneas de los contornos, y son estos toques de pincel los que nos permiten distinguir los elementos que conforman la imagen.

 

Con esta pincelada también se consiguen los efectos lumínicos del cuadro, donde la tenue luz del amanecer procedente del sol crea zonas en penumbra como los botes y las fábricas, y el reflejo que todos estos producen en el agua, otra de las características propias del Impresionismo. De esta manera el foco del cuadro es natural, quedando éste también reflejado en el sol, alargándose por efectos de las olas del agua.

 

En cuanto a los colores, la gama cromática en la que se mueve Monet en este caso son los anaranjados y los azules y violetas. Las zonas de colores cálidos y fríos se equilibran perfectamente, resultando casi simétricas, y tomando como eje la línea del horizonte. La división del cielo en una zona de amarillos y rojos y otra en azules y violetas se reflejan en el agua a modo de espejo, de manera que dentro de la zona fría está el sol, y su reflejo en el agua con un rojo intenso que deja filtrar el amarillo también que aparece en el cielo, forma una “i” de “impresión”, como un grafismo o jeroglífico.

 

Los pesos del cuadro, habando de la composición, están bien repartidos ya que Monet situó las barcas al lado izquierdo del lienzo y lo compensó con el sol a la derecha, que atrae la mirada del espectador hacia ese lado. Se pueden establecer distintos triángulos de zonas frías y calientes en la zona del cielo, y otros distintos en la zona inferior, en el mar, divididos por las barcas, situadas de manera diagonal. Esto da una sensación dinámica dentro de la quietud y de la estática.

Además en el cuadro se distinguen diferentes líneas de composición, con la combinación de líneas rectas y verticales en las velas y en las chimeneas, y horizontales en los movimientos y en las ondas de los reflejos del agua, así como la línea del horizonte. Hay curvas en los humos y un círculo en el sol, cuya forma está muy marcada. Los ritmos se producen al repetirse formas semejantes como las barcas, los mástiles y las chimeneas. Además hay repeticiones de zonas naranjas en los reflejos del sol en el agua, y trazos de un violeta más oscuro en cada movimiento del agua, que hacen que toda la obra sea una unidad.

En la composición también se puede observar otra característica del Impresionismo, pues tenían predilección por la representación del agua, y en el cuadro ocupa el mar más de la mitad de la imagen.

 

La perspectiva y profundidad se puede observar sobre todo en el agua, además de que las barcas van disminuyendo su tamaño conforme se van acercando a la línea del horizonte. Además también se desdibujan más los contornos cuanto más lejos están los elementos del espectador, además de que el humo y la humedad difuminan todas las figuras y las fábricas del fondo.

 

De esta manera, nos encontramos ante el autor considerado el precursor del Impresionismo, siendo este cuadro la máxima expresión de todos los aspectos  de este movimiento que consiguió establecer la unidad de una serie de características que se empezaron a dar ya incluso en el barroco con autores como Velázquez.

 

LOS JUGADORES DE CARTAS

Estamos ante una obra post-impresionista, realizada por Paul Cézanne. Este autor es uno de los pintores franceses más representativos de la segunda mitad del siglo XIX y además es considerado el padre del arte moderno.

Cézanne nació en Francia en 1839 y falleció en 1906 también en Francia. En 1857 comenzó la carrera de derecho pero al final deja la carrera y decide dedicarse a la pintura. Así pues, con el apoyo materno se traslada a Paris donde comenzara su carrera como pintor.

Sobre el cubismo podemos decir que el precursor es este autor, ya que en las obras de Cézanne es muy importante el volumen y las figuras geométricas.

Este pintor realizo muchas obras como son La Casa del Ahorcado, Las Bañistas…pero nos vamos a centrar en Los jugadores de Cartas.

Centrándonos en el cuadro, fue pintada en 1890. Se trata de una obra pictórica realizado a óleo sobre lienzo y sus dimensiones son de 47x57 centímetros.

La pintura presenta volúmenes (como se aprecia en la botella), pero sobre todo consigue los volúmenes en los cuerpos de los personajes.

Cézanne en este caso está representando una escena real en la que dos personajes masculinos, cada uno sentado a un lado de la mesa, están jugando a las cartas.

Refiriéndonos a los personajes observamos que los dos están de perfil y sentados, apoyando los codos en la mesa y cada uno observa sus cartas. Ambos personajes llevan un sombrero. El señor de la derecha lleva una chaqueta de color gris amarillenta y el de la izquierda color malva.

El eje de la composición lo marca la botella de cristal, pero esta no está en medio justamente sino que esta desplaza hacia la derecha.  También se observan como  contrastan las líneas verticales que se forman en el fondo del cuadro con las líneas horizontales que forman los personajes. Además cabe destacar el triángulo inverso que forman los personajes al mirar fijamente a las cartas. El uso de la geometría no solo se basa en la composición ya que también se ve en los personajes.

 El fono se obtiene gracias a la mezcla de color, por tanto en este caso el protagonismo del cuadro es el color. Así pues, consigue destacar el relieve.

Por otra parte, el cuadro no se está entero ya que el jugador de la izquierda no sale entero pero eso lo hizo aposta Cézanne. Además en los jugadores de cartas el espectador se convierte en un observador el cual contempla la partida de cartas, así el pintor consigue un plano cercano de la escena.

En cuanto a la luz, se trata de una luz artificial. Y esta luz artificial se ve en el reflejo blanco de la botella, en el mantel de la mesa y en la pipa del jugador de la derecha.

Por ultimo decir que según las palabras de Cézanne “hacer Poussin al aire libre” quería superar el academicismo pero sin abandonar las formas ni el interés por los volúmenes.

LA CASA DE LA CASCADA

La casa de la cascada es uno de los proyectos de arquitectura organicista integrada en la naturaleza mas conseguidos del autor Frank Lloyd Wright, que con obras como esta se distancia de la tradición funcional de la escuela de Chicago.
Su localización es en Bear Run (Arroyo del Oslo), Pensilvania (EEUU).

Frank Lloyd Wright está considerado el mejor arquitecto norteamericano del primer cuarto del siglo XX y uno de los constructores que mas han influido junto a Le Corbusier y Gropius en la arquitectura de nuestro tiempo.
Wright ,fue discípulo de los grandes arquitectos de la escuela de Chicago. Tuvo influencia de casi todos los grupos vanguardistas europeos.
En 1920, su viaje a Japón, influirá decisivamente , dando un giro radical en su manera de hacer, a partir de aquí, comienza a hacer una arquitectura adaptada al ambiente que rodea la construcción.

Durante el siglo XX surge un nuevo estilo que se desarrolla en EEUU, Francia y Alemania , por parte de Wright, Le Corbusier o Gropius, conocido como organicismo arquitectónico. Las características de esta arquitectura son:
-Se eligen formas geométricas, de ahí su relación con las vanguardias como el cubismo y la abstracción geométrica.
-La preocupación será la vivienda.
-Recuperación de materiales tradicionales (piedra,madera,ladrillo).
-Utilización de formas libres, en las que predominan los planos verticales y horizontales.
-Pretende plasmar en sus edificios la psicología de las personas que lo habitan.

La casa estaba destinada como residencia para Edgar Kauffman , su esposa y sus hijos, dueños de unos grandes almacenes en Pillsburgh.

La casa se situó sobre una cascada del río de forma que parte de los voladizos quedan suspendidos sobre el curso del río, que parece atravesar la casa por su parte inferior.
El terreno en el que se ubica la casa tiene abundancia de rocas a nivel del suelo, que sirven de cimentación del edificio. De ese lugar se extrajeron también rocas que conforman mamposterías de la parte baja de las fachadas del edificio, colocadas en ese lugar para crear una progresión desde la roca natural del suelo hasta el hormigón de las partes altas.

La relación de esta casa con la naturaleza es muy estrecha , de hecho dentro de ella hay rocas que pertenecían al terreno inicial y que se han mantenido intactas, además el suelo de toda la planta baja está trabajado con la misma piedra que se encontraba en ese mismo lugar.

Los materiales empleados fueron la piedra del lugar, el hormigón, acero , madera y hierro. Además, grandes ventanales de cristal iluminan y ventilan el interior de la residencia.

Sus colores combinan con las distintas tonalidades del bosque en las distintas estaciones. Está pintada de verde,gris,ocre,rosados, lo que intensifica la idea de que la casa es un elemento más del bosque.

En cuanto a su estructura es una sucesión  de planos horizontales enfatizados por grandiosos aleros y terrazas. Aunque encontramos dos planos verticales marcados por la chimenea , que arranca desde la parte trasera del edificio , como una torre, en donde se juntan las diferentes dependencias y terrazas.

La casa consta de tres pisos escalonados y superpuestos, cada uno de los cuales tiene su propia planta, independiente de las demás:
-La planta baja está ocupada prácticamente en su totalidad por la zona de estar, que se prolonga en una impresionante terraza que vuela sobre la cascada. También se encuentra en esta planta unas escaleras que conducen a la piscina , creada como no, por la cascada. Las paredes de la sala de estar, al igual , que las del resto de la casa , son iguales que las de fuera, con partes de mampostería de piedra del lugar. El suelo es de piedra marrón.
-En la primera planta encontramos los dormitorios, que también proyectan una gran terraza hacia el exterior y que forma un ángulo de 90º con la del piso inferior.
-En la segunda planta se ubican las habitaciones de los invitados

Cuando el matrimonio Kauffman murió, el hijo vendió la casa de la cascada a la fundación Fran Lloyd Wright porque se vio incapaz de afrontar los elevados impuestos que el edificio imponía. Gracias a él, la casa está abierta al publico desde 1964. Hoy en dia es un monumentos nacional en EEUU , que funciona como museo y pertence al Western Pennysilvania Conservancy. 

               

LOS BURGUESES DE CALAIS

Este conjunto escultórico fue realizado por Auguste Rodin en el siglo XIX, siglo caracterizado por la gran cantidad de cambios que tuvieron lugar, tanto en el ámbito político, con el Estado liberal, en el ámbito social, con la nueva sociedad formado por clases en función del poder adquisitivo, y en el ámbito económico con el capitalismo y las revoluciones industriales. A pesar de todo esto, el cambio fundamental se dio en la ideología de la sociedad que, al contrario del siglo anterior, ahora está en contra de la razón y del academicismo. De esta manera, este cambio generalizado influyo notablemente en el arte, dándose una sucesión de “ismos” como el Impresionismo, estilo en el que se encuentra esta obra. Este movimiento fue fundamentalmente pictórico, aunque algunos maestros como el autor de esta obra, supieron introducirlo en la escultura mediante juegos lumínicos.

Refiriéndonos al autor, Auguste Rodin constituye la unión del siglo XIX y XX. Procedente de una familia humilde asistió a la Escuela Imperial aprendiendo a dibujar de memoria y a modelar. Trabajó en el Palacio de Napoleón III como adornista e intentó acceder a la Escuela de Bellas Artes, pero sin éxito. Su primera obra fue El fundador Padre Eymart, que es un busto.

Tras dos viajes, a Bruselas y a Italia, se inspiró en el arte antiguo y en los grandes genios del Renacimiento italiano como Miguel Ángel, oponiéndose al academicismo. A partir de entonces realizó su “Edad de Bronce”.

Le encargaron la “Puerta del Infierno” para la cual se inspiró en Ghiberti, y realizó otras obras como “El pensador”, “El beso” y “La catedral”, donde hay una clara intención de deformar y convertir las figuras en abstractas.

Centrándonos en Los Burgueses de Calais, fue un encargo que el Ayuntamiento de esta ciudad, Calais, le hizo a Rodin en 1884 para levantar un monumento en conmemoración de un suceso histórico y heroico acontecido en la Guerra de los Cien Años, donde se enfrentaron Inglaterra y Francia (siglo XIV).

En 1347, Eduardo III, soberano inglés, se disputó el trono con Felipe IV, y sitió la ciudad de Calais, en Francia. El rey inglés solo estaba dispuesto a aceptar la rendición de los habitantes de esta ciudad si seis vecinos partían hacia el campamento enemigo con las llaves de la misma en señal de sumisión. Éste es el momento exacto representado en este conjunto escultórico. Los seis burgueses aparecen esculpidos con un gran dramatismo y realismo, y se encuentran descalzos, sin más abrigo que una camisa, llevando la soga de los ahorcados al cuello. Aun así no llegaron a morir debido a que fueron perdonados a petición de la reina, esposa de Eduardo III.

Los personajes representados son Eustache de Saint Pierre, el más anciano y el primero en salir voluntario para presentarse ante el monarca inglés; Jean d’Aire portador de las llaves de la ciudad; Antrieu d’Andres con las manos en la cabeza, representando la desesperación; Pierre de Wissant quien vuelve la cabeza hacia atrás; Jacques de Wissant decidido hacia su destino y Jean de Fiennes con los brazos abiertos, simbolizando el sacrificio de la juventud.

Atendiendo a los aspectos técnicos, el conjunto escultórico mide 231 cm ya que sus figuras aparecen de pie, está realizado en bronce y es exento de bulto redondo. Tras el estudio, la elaboración de múltiples maquetas y esbozos en terracota y en yeso, fue terminado en 1895, año en que también se inauguró en la Plaza Richelieu en Calais, una vez que Rodin estuvo satisfecho. Las seis figuras, colocadas primero en un pedestal, fueron situadas a petición del autor en una peana triangular, casi a la altura del espectador.

Ninguno de los personajes es igual a otro, todos presentan individualidad, cobrando además mucha importancia no solo las propias figuras, sino el espacio vacío que queda entre ellas. Todas rompen con la frontalidad y presentan numerosos escorzos, tanto en brazos como en piernas. Los seis hombres están a una misma altura por lo que podemos hablar de isocefalia. No hay una composición clara pues, como ya hemos dicho, el grupo escultórico es una suma       de individualidades.

La escultura, presentada con gran naturalidad y sencillez, muestra mucha minuciosidad en los ropajes, de aspecto rugoso y con gran cantidad de pliegues, que crean efectos de luz y sombra típicos del Impresionismo.

En cuanto a la expresión de los burgueses, los rostros también individualizados, presentan mucha seriedad a causa del momento, además de que son rostros muy realistas y hay un tratamiento psicológico que huye del idealismo, intentando plasmar la realidad tal y como es. También se aprecia en los personajes el deterioro físico y anímico en la anatomía, anunciando las deformaciones del Expresionismo, las cuales se ven en las desproporciones de las manos y los pies, que son demasiado grandes con respecto al resto del cuerpo. Las figuras, en su mayoría, aparecen caminando y en movimiento, pues, para Rodin, la esencia de la belleza estaba en la vida, y su más alta expresión en arte era la figura humana, realizándose a sí misma a través de la acción, aunque fuera simplemente caminando.

La obra, tras haber sido guardada en 1924, fue dañada durante la Primera Guerra Mundial y trasladada a la Plaza de Armas delante del Ayuntamiento, tal y como Rodin quería al principio.

Además, al estar realizada en bronce, gracias a la técnica del vaciado, existen varias copias a partir del modelo original, que están repartidas por diferentes lugares. Entre ellos destaca Victoria Tower Gardens (junto al Parlamento de Londres), los jardines del Museo Rodin de Paris, o el Metropolitan Museum de Nueva York, además de copias en Filadelfia, California, Washington, Jerusalén, Camberra, Tokyo o Seúl.

Citas:                                                                        

 “Mi liberación del academicismo la debo a Miguel Ángel, quien habiéndome mostrado reglas diametralmente opuestas a las que me habían enseñado, me liberó”

“¿Cómo? ¿Qué las cabezas deben formar una pirámide en lugar del cubo, de la horizontal? ¡Pero si eso es pura y simplemente la Academia imponiéndome sus dogmas!”